Howard Phillips Lovecraft
Biografia
Nacido en Providence Rhode island Estados unidos en 1890, este escritor inmortal, dueño de un relato unico, que marco un genero.
Genero que tiene como a otro referente a Edgar Allan Poe.
Sus libros mas famosos: El Necronomicon, La llamada de Cthulhu, Polaris, entre otros.

Cuando el Director de Fotografía Robby Müller trabajó por primera vez con el director Lars Von Trier en “Contra viento y marea“ (“Breaking the waves”, 1996), tuvo que hacer caso omiso a casi todo lo que había aprendido sobre la Dirección de Fotografía. El film fue casi enteramente filmado con luz natural, sin darle una demasiada importancia a que las exposiciones tuvieran una continuidad toma tras toma. En la visión de Von Trier, con el espíritu del Dogma 95, se evitaron las consideraciones estéticas tradicionales de iluminación y composición. Inclusive la “sintaxis” de la película –continuidad, dirección en la pantalla y eje- fue deliberadamente ignorada. Con el fin de remover cualquier sentido de suavidad hollywoodense, “Contra viento y marea“ fue transferida de film a D1 y viceversa, con el propósito expreso de degradar la imagen en el producto final.

Este método de trabajo estaba en contra de todas las doctrinas que Müller poseía, pero estaba intrigado por el acercamiento de Von Trier y la apasionada postura del director contra la narración cinematográfica tradicional. Se le pidió “arrojar toda idea preconcebida sobre lo que es ser un Director de Fotografía”, dice. “Creo que es una cosa importante para hacer de vez en cuando.”
Cuando se le ofreció a Müller hacer “Bailarina en la oscuridad”, se dio cuenta que el proyecto requeriría una desviación de los métodos que había desarrollado a través de su carrera. La película cuenta la historia de Selma, una humilde mujer checa (Björk), su hijo y su magra existencia en un ambiente rural en los Estados Unidos de mediados del siglo XX. La idea era combinar dos estilos diferentes de realización para ilustrar la dicotomía entre las realidades de la miserable vida del personaje principal y su lujosa vida interior inspirada en los viejos musicales en Technicolor.
Se había determinado que todo el film se grabaría en video digital, y que cada secuencia musical se representaría de manera ininterrumpida –en una toma, de ser posible- y sería cubierta por 100 cámaras simultáneamente. Para Müller, esto representó un desvío aún mayor en cuanto a los requerimientos tradicionales de ser un DF. “Me siento tan atraído por la manera de contar de Lars,” dice Müller, “que sentí que debía aceptar este desafío.” Müller, quien grabó una parte de “Buena Vista Social Club” con equipamiento de video de última tecnología, había sentido curiosidad por las posibilidades del DV. “Estaba muy interesado en el desarrollo del DV ya que da una imagen que es, ¿cómo diría?” –el DF busca la palabra correcta- “de mierda. Es una imagen de mierda. Pero quería ver qué podíamos hacer con eso para contar la historia.”
“Nunca quise utilizar pequeños trucos, como algunos hacen, para darle un “look fílmico”. Creía que era un punto de comienzo estúpido. [El video] cede demasiada profundidad de campo para parecerse al fílmico, y la imagen es mucho más rústica. Por el contrario, quise ver lo que me ofrecía esta nueva herramienta. No todo depende de la técnica y la habilidad, a pesar que creo que esas cosas son muy importantes para un Director de Fotografía. Luego de tantos años de realizar largometrajes, siempre es beneficioso ver qué se puede hacer si quitás todo el equipamiento y la técnica que uno reverencia.”
Müller sumó a Peter Hjorth, director técnico y gurú del video, para ayudarlo a él y a su equipo a trabajar con el equipamiento de video y unir los diferentes lenguajes y habilidades de ambos. El acercamiento y el vocabulario de la gente del cine y del video puede ser algo diverso, y Hjorth usualmente ofició de intérprete.
Hjorth, quien ya había trabajado con los realizadores en variedad de condiciones, recuerda sus impresiones cuando fue por primera vez confrontado por Von Trier con el plan para “Bailarina en la oscuridad”. “Fui a ver a Lars y otra gente de la producción y me dijeron: ‘Queremos rodar un musical en video digital en Cinemascope y cubrir los números musicales usando 100 cámaras al mismo tiempo.’ Mi primera respuesta a esto fue: ‘Uh-oh’”
El primer encargo de Hjorth fue resolver cómo lograr el formato 2.35:1 con las cámaras de video designadas para 16:9. ¿Sería mejor agregar bandas negras a la imagen de video para llegar al 2.35:1 durante el rodaje y subsecuentemente ampliar la imagen y “comprimirla” a un formato anamórfico en postproducción? ¿Sería más sensato rodar usando un proceso anamórfico? También, en este último caso, ¿sería esa compresión anamórfica hecha ópticamente con un lente anamórfico en las cámaras, o sería realizado electrónicamente a través del dispositivo de la imagen de la cámara?
“Rápidamente nos dimos cuenta que teníamos que lograr una solución óptica”, dice Hjorth. “Una productora como Zentropa no estaba en posición de crear nuevos chips para las cámaras. Entonces fuimos a una compañía danesa, MicroGlass, que confecciona lentes principalmente para proyectores. Les explicamos que necesitábamos 100 lentes especialmente diseñados para comprimir la imagen 16:9 de tal manera que se descomprimiera luego de realizar el transfer a fílmico en formato 2.35:1. Muy rápidamente nos hicieron un prototipo de lente, lo testeamos y funcionó, así que ordenamos el resto. Hicieron esos 100 lentes en seis semanas.”
Los requerimientos ópticos de esos lentes, explicó Hjorth, fueron menos problemáticos en esta tarea ya que las 100 cámaras usadas para este musical estarían todas fijas, y las aberraciones ópticas hubieran sido más pronunciadas si se hubiera necesitado que estas cámaras se moviesen.
La única cámara usada en todas las escenas no fantásticas –a la que nos referiremos como la cámara narradora- fue completamente otra cosa. Sería utilizada en mano por el mismo Von Trier en la mayoría de las escenas, y él quería tener la posibilidad de panear 360 grados en cualquier dirección y realizar zooms durante tomas. Para esto, una Sony DV con un chip 2/3 más grande proporcionó una mejor resolución de imagen que las 100 cámaras con los chips más chicos. Debido a esto, todas las escenas grabadas con esta cámara simplemente fueron cortadas al formato 2.35 en cámara y posteriormente comprimidas durante la grabación.
Müller testeó ambas configuraciones de cámara y descubrió que, inclusive sin ningún proceso de postproducción de imagen, la cámara con el chip menor ofrecía colores más saturados que la del chip mayor, lo que fue de gran ayuda considerando que los dos mundos debían crear una sensación diferente para el espectador. “Tenía un agradable look de verano sueco”, dijo de una de las cámaras designadas para las escenas fantásticas. “Tenían una tendencia mayor al ‘Kodachrome’ que la cámara narradora. Eso ayudó porque las escenas musicales se suponía que tenían lugar en una atmósfera diferente.”
Debido a que von Trier quería que la cámara narradora proporcionara un look sucio, casi de película hogareña, Müller esperaba tener poco que hacer en términos de iluminación. Sus tests indicaron que mientras esto era cierto, necesitaría igualmente usar algunos practicables para obtener una exposición decente. Afortunadamente, él comenzó filmando películas de bajo presupuesto donde no había lugar una iluminación compleja. “He trabajado casi sin luces cuando era necesario. Sabía que podía improvisar.” Cuando llegó el momento de comenzar el rodaje, había poco margen para el error. La producción tenía 10 semanas para rodar lo que sería un largometraje de dos horas y media con elaboradas secuencias musicales.
“Lo primero que tuve que hacer fue dejar de lado mi exposímetro”, dice Müller. La exposición se realizó principalmente mirando la imagen en un monitor; a mano siempre se encontraba un osciloscopio para dar una medida más objetiva de la exposición que estaba recibiendo la cinta. El control que se tiene al exponer una película no estaría disponible.
Para Müller, fue una manera diferente de trabajar. “Existe un índice de exposición que uno puede usar para la cámara y tomar lecturas de luz basándose en él, pero la cámara reacciona a la luz de manera diferente a la que lo hace la película, así que no significa demasiado decir que es un equivalente de, por ejemplo, 400 ASA, o lo que sea. Me di cuenta que tendría que hacer la mayor parte de mi trabajo a ojo.”
Müller también se tuvo que adaptar al hecho que tenía menos latitud en las luces altas que en las penumbras. Por supuesto, se da lo contrario al trabajar con negativo. “Es mucho más probable que uno pueda salvar en postproducción una imagen subexpuesta que una sobreexpuesta. Esto fue algo nuevo para mí. Fui teniendo menos miedo de la subexposición y más cuidado con la sobreexposición”.
El rodaje comenzó con un memorable número musical en un puente ferroviario. Con 100 cámaras, la unidad entera se posicionó fuera de cuadro o escondidos. Todas las cámaras se cablearon a un trailer con 20 monitores dentro. Las 100 cámaras podían verse en los monitores conectadas a través de cinco configuraciones de 20 cámaras cada una. A pesar que las imágenes estaban grabando imágenes “comprimidas” debido a los lentes CinemaScope, el equipo tuvo la posibilidad de ver las imágenes con las bandas negras gracias a algunos simples ajustes internos en los monitores. El director técnico Hjorth dio crédito a la cabeza del Departamento de cámara, Etvard Friif Møller, por su contribución al planeamiento y ejecución que ayudó a que la compleja toma se llevara a cabo.
Las 100 cámaras podían controlarse remotamente por medio de un sistema creado por Hjorth. De todas maneras, ajustar el diafragma requería que un equipo de 15 miembros corriera y cambiara manualmente la configuración en cada lente. “Si de repente aparecieran nubes justo antes de una toma, tendríamos a estas 15 personas corriendo hacia cada cámara para realizar los ajustes lo más rápido posible. Inclusive si esto tomara menos de un minuto por cámara, sería bastante tiempo para realizar los ajustes”, dice Hjorth.
El inusual método de rodaje significó que el proceso de realización del film fuera comprimido, al igual que las emociones relacionadas con la producción. Dice Hjorth: “Recuerdo estar sentado en una pequeña colina mientras se preparaban para la escena musical en el tren. Todo parecía una operación militar. Había tanta gente involucrada, especialmente para un proyecto danés. Teníamos más de 11 kilómetros de cable diseminado por el barro. Quería llamar por el walkie-talkie y decir, ‘Me voy’.”
En el momento en que las cámaras comenzaron a grabar, la contribución emocional de Hjorth había cambiado 180 grados. “Cuando rodábamos una escena era un éxtasis absoluto. Veíamos a Björk actuar, con la música y la coreografía, pudiendo ver en los monitores todo a la vez. En pocos minutos teníamos la escena completa. Hacia el final del primer día de rodaje, habíamos generado 68 horas de material. Obviamente, todavía había mucho trabajo para la postproducción, pero el todo estaba empezando a tomar forma inmediatamente, lo que es muy diferente de la mayoría de las tomas de largometrajes. El primer día ya había padecido todos los altibajos”, dice Hjorth.
Para las escenas narrativamente más tradicionales, Von Trier mismo operó la cámara y Müller usó practicables para proveer iluminación y clima. Dice que Catherine Deneuve fue extremadamente profesional y creativa. “Me dijo que nunca había improvisado de esa manera, pero lo hizo maravillosamente. Sabía lo que Lars quería y nunca esperó que la ilumináramos como una estrella o algo similar.”
La filmación se completó a tiempo, luego de 10 semanas. Después comenzaron los largos meses de postproducción. La corrección de color se hizo en una Digital Vision DV NR 1000 en Hocus Pocus (rebautizado Copenhagen Film Recording). “Hicimos algo así como 30 transfers diferentes para que Robby pudiera ver las diferentes maneras en que se podían manipular las imágenes”, dice Hjorth.
“Lars”, continúa, “se involucró mucho para encontrar el look correcto para los números musicales y fantásticos, y le preocupaba la sensación de profundidad de las imágenes. Debido a esto, terminamos usando dos diferentes tipos de grabadoras. Usamos CRT para grabar las escenas fantásticas. La cámara narradora empezó con mayor resolución y un mejor procesado de video, y se transfirió mejor usando el proceso de transfer de ARRI Laser.”
Müller disfrutó de los beneficios de la secundaria corrección de color, usualmente destinado a proyectos para la pantalla chica o algún largometraje con un presupuesto excepcional. “En DV era una especie de paraíso, en términos de lo que podíamos hacer. Si uno tiene video bien expuesto,” dice, “podés individualizar una cara o un elemento y aclararlo, oscurecerlo o alterar su color sin afectar nada más. Si tenés tiempo y dinero –wow- realmente podés hacer mucho.”
En primer lugar, se pasaría la imagen a cinta digital y luego a film. Realizaron tests para tratar de anticipar el efecto que tendría en la imagen final. “Uno trabaja en este formato de video digital y luego toma todo y lo somete a procesos ópticos y químicos,” explica Müller. “Estos tienen sus propias tendencias, así que hay que realizar un montón de pruebas para poder descomponer todo ello al realizar el trabajo de video.”
Como ejemplo del desarrollo de esta tecnología, Müller dice que el pasaje a fílmico es mucho más rápido ahora que cuando “Contra viento y marea” fue transferida a D1 y de vuelta a fílmico. “Usualmente veíamos la película (por “Bailarina...”) ese mismo día o al siguiente. Al hacer ‘Contra viento y marea’, tomaba algo así como 24 horas para transferir tres minutos de película.”
Viendo la película terminada, Müller dice que está orgulloso del efecto que produce en las audiencias. “No posee esa belleza formal que he tratado de poner en mucho de mi trabajo anterior, pero Lars tiene otras preocupaciones. No quiere que la imagen sea hermosa. No quiere que todo fluya de manera conjunta y suave, como en films tradicionales. Corta sobre las actuaciones inclusive si el corte es técnicamente irritante: la audiencia se acostumbra a ello en los primeros minutos y notan que el está haciendo un tipo diferente de película. Por supuesto que el guión y las actuaciones tienen que ser muy buenas en este tipo de films, y afortunadamente lo fueron en ‘Bailarina en la oscuridad’.”
“Estoy muy contento de haber tenido la oportunidad de trabajar de esta manera, pero no es lo que quisiera hacer todo el tiempo. Es como cuando filmé “Bajo el peso de la ley” (“Down by law”, Jim Jarmusch, 1986). Creía que era una oportunidad excelente, pero no quería hacer sólo películas en blanco y negro. Me gusta experimentar. Me gusta aprender. Es parte de mi vida estar despierto y ser curioso.”

Jon Silberg, enero de 2001.
Traducción y adaptación: Ezequiel García

Hasta el 20 de octubre se reciben inscripciones para participar del ciclo “Arte por la identidad 2005” en la ciudad de Rosario. Los organizadores defienden la idea de que “los desaparecidos, los desocupados, los sintierra, los rotos, los vulnerables en el cuerpo y el alma, no son emergentes aislados sino expresiones del sometimiento de nuestros pueblos”.

Hasta el 20 de octubre se reciben inscripciones para participar del ciclo “Arte por la identidad 2005” en la ciudad de Rosario. Los organizadores defienden la idea de que “los desaparecidos, los desocupados, los sintierra, los rotos, los vulnerables en el cuerpo y el alma, no son emergentes aislados sino expresiones del sometimiento de nuestros pueblos”. Y proclaman la búsqueda de “un espacio que funde voces y discursos, refunden universos simbólicos que apunten a la construcción de una vida que rebalse en la posibilidad de sus sueños”. La convocatoria está abierta a artistas de todas las disciplinas y se reciben igualmente obras inéditas, que ya hayan sido exhibidos públicamente o que estén en proceso de construcción. Para mayor información dirigirse a: Coordinación_teatro@yahoo.com.ar
La recepción del material se realiza en:
Teatro El Rayo Misterioso, San Martín 473, teatrodelafuga@yahoo.com.ar
El Ojo Blindado, Corrientes 363, ojoblindado@terra.com

Mi interpretación sobre la película es muy simple, la misma nos muestra a mi entender la evolución del hombre ya sea para bien
o para mal, el hombre por instinto tiene curiosidad, esa curiosidad lo lleva a investigar y al investigar desarrolla nuevas formas y técnicas que poco a poco lo van perfeccionando. Pero hay que tener en cuenta que el hombre no es perfecto por lo tanto se equivoca, logrando así que todas sus creaciones tengan la posibilidad de sufrir la misma suerte que su creador.
La película nos lleva desde el hombre primitivo hasta el hombre del espacio o del futuro como más guste llamarlo, mostrándonos en cada periodo la aparición de un misterioso Monolito, de origen desconocido que lleva al hombre a la incertidumbre por desconocer y como bien dije antes, a la investigación con la cual logra superar sus conocimientos.
Algo para destacar, la película trabaja mucho sobre el paso del tiempo y lo que surge con este, pero a mi forma de entender, el tiempo es tan solo una medida humana, que puede o no ser importante en el desarrollo de la técnica del hombre.

Comunicación y Vision

Trabajo sobre: ODISEA DEL ESPACIO 2001

El comienzo de esta película nos muestra (a mi entender) la evolución del hombre prehistórico, tal como imaginamos sucedió, (según nuestros conocimientos), basados en nuestras propias creencias socioculturales

Análisis de la Película:

El comienzo de esta película nos muestra (a mi entender) la evolución del hombre prehistórico, tal como imaginamos sucedió, (según nuestros conocimientos), basados en nuestras propias creencias socioculturales, la secuencia en cuestión esta armada con escenas donde se observa claramente la convivencia de el hombre de antaño con los animales comunes a su entorno, con quienes “combate” por el alimento, y muchas veces conviviendo con el peligro ya que es atacado por las fieras, que simbolizan los peligros cotidianos; también vemos la importancia del agua, de echo sabemos de lo esencial de esta sustancia para la supervivencia en la vida, donde deben enfrentar a “tribus” de sus pares con sus mismas aptitudes, de pronto una incursión aparentemente divina, nos da una idea de que a partir de algún tipo de suceso, en este caso simbolizado con una piedra, nos la muestra como principal potencial incitador del pensamiento, además claro de la necesidad de recuperar la posesión del agua perdida, movilizándolos a los descubrimientos y posteriores cambios según los comportamientos sociales, evolucionando a partir del uso de los restos óseos como arma, para la caza y para la guerra, la culminación de la secuencia, muestra en un fundido, el hueso que es lanzado, simbolizando el progreso constante, hasta la transformación de este en una estación espacial, (elipsis temporal).

A continuación vemos un suceso en la luna, donde los astronautas encuentran el “tótem”, que emite una señal, en esta escena existe una comparación del hombre primitivo con el actual, en cuanto a la admiración y misticismo de la piedra, el destino indica a un planeta lejano, el conocimiento humano ha evolucionado hasta la creación de maquinas que pueden pensar por si solas y establecer sus prioridades, en esta parte de la película se muestra, una guerra entre la tecnología y el hombre, las maquinas se vuelven contra los astronautas.
El tiempo mezclado entre presente, futuro y pasado, muestra una exquisita combinación de adultez, vejez, muerte y nacimiento, estado cíclico de la humanidad, a mi entender metafísico, en el que el astronauta en el ocaso de su vida, se encuentra con la puerta, como si fuese la muerte misma, que entra al cuarto a llevar a la victima, sin este “estereotipo común”, la piedra da la sensación de ser el límite, la puerta, el fin, y al mismo tiempo muestra la vida, el nacimiento, el amor y toda ternura que encierra ver la imagen de un bebe, evocando el comienzo de la vida misma.

Interpretación de la película:
Estructura:
1º El Amanecer del Hombre.
Monolito
2º Misión a Júpiter
Monolito
3º Más allá del Infinito / de las estrellas.

En los albores de la humanidad, una nave extraterrestre llega a la Tierra y coloca en ella un monolito. Miles de años después, David Bowman es el encargado de dirigir una expedición para investigar los orígenes de un extraño monolito que ha aparecido en otro planeta. Pero durante el viaje, el ordenador que controla la nave comienza a acabar con las vidas de los tripulantes. La película está basada en el relato el Centinela, escrito por Arthur C. Clarke. El film maravilló. No obstante, acabó por convertirse en una de las obras maestras de la historia del cine, y en largometraje de culto para muchos.
Una Odisea el Espacio es una cuenta atrás hacia el futuro, un mapa del destino humano, una conquista del infinito, un apasionante drama sobre el hombre que lucha contra la máquina.

capitulo1
Una obra maestra del director Stanley Kubrick, que emociona, inspira y cautiva a generación tras generación. Kubrick comienza este viaje hacia el futuro visitando a nuestros ancestros prehistóricos para luego dar un salto milenario hasta la colonización del espacio, sumergiendo en última instancia al astronauta Bowman en el inexplorado mundo del espacio, quizá incluso en la inmortalidad. Es el principio de un viaje sobrecogedor, misterioso y alucinante como jamás antes se haya concebido.
como dice el
volver al capitulo1

Comunicación y Visión 1- RAV
Nicolás Costantino

Opinión sobre:
2001: Una odisea del espacio.

La película muestra el cambio más importante de los últimos años, o sea, el avance de la tecnología, sus técnicas y el peligro que podemos contraer si no la usamos correctamente.
También en la primera parte de la película, caracterizada por los monos se muestra el avance de la sociedad, del ser humano, es decir, el cambio que se produjo en esa época con la raza humana.
Yo creo que esta película quiere destacar los dos hechos más importantes en la historia mundial, el desarrollo de la raza humana y el avance feroz de la tecnología.

Comunicación y visión

ODISEA DEL ESPACIO 2001

Interpretación personal:

La película comienza con la escena de los simios donde se muestra como evolucionan en el pensamiento, descubren las herramientas (el Hueso), para la subsistencia y mas tarde la utilizan como arma, también aparece una piedra lisa (Tótem), que es mostrada como un objeto “divino”, de origen desconocido que es temido en un principio y luego admirado por los simios. Aparece un eclipse que nos da una idea de tiempo, un punto especifico en la historia.
Cuando el simio se revela y lanza el hueso aparece una nave en el espacio, millones de años mas tarde, que nos hace notar una evolución total del hombre, nos muestra la nave con toda su tecnología como herramienta del hombre.
Al llegar a la luna, descubren nuevamente este supuesto Tótem, se sorprenden y lo admiran al igual que los simios. Descubren una transmisión que proviene de este, justo cuando se produce nuevamente el eclipse, dando una referencia de tiempo. Dada esta transmisión tiempo mas tarde viajan a Júpiter, que es de donde proviene la señal
La nave en la que viajan posee una computadora “inteligente”, (Hal 9000), que supuestamente provoca un error y cuando la tripulación decide apagarla, se siente agredida y empieza a eliminar a todos excepto a uno que descubre la verdad y la apaga “la vida humana no es lo mas importante”, esa era la calificación de la misión . en este punto el sobreviviente decide terminar la misión y cruzar el portal de tiempo, el Tótem, que lo lleva a su propio futuro; el se ve a si mismo en en las distintas etapas de su vida. Hasta su muerte frente al Tótem. Al final de la película cuando el hombre se muere frente al Tótem y reaparece como un huevo (un bebé) en el espacio, termina de darme la idea de que la historia se estuvo contando durante ese eje temporal, pero al mismo tiempo paso por todas las etapas de la vida de una persona, interpretado por distintos sujetos. Entiendo su aprendizaje y formación moral como individuo, en el caso de la película el viaje a Júpiter, su desenlace cuando muere y su supuesta concepción cuando aparece en el espacio>

2001 comienza con una escena de un eclipse solar, dando la idea de un amanecer. Luego de esta introducción, aparece el título "El amanecer del hombre".

Supuestamente lo que vemos a continuación se ubica en la Tierra hace millones de años atrás cuando el hombre todavía no existía.
Una especie de mono o simio se encuentra en la superficie de la Tierra conviviendo con diferentes animales.
Una mañana los monos despiertan y ven frente a ellos un monolito. Esto le resulta bastante extraño ya que se asustan y empiezan a saltar y gritar. Luego uno se anima a tocarlo, como para conocerlo mejor y averiguar de que se trata. En este momento, para mi, el mono cambió totalmente la forma de ver las cosas, es como si ese monolito le hiciera entender algo.
Luego uno de los simios agarra un hueso y comienza a experimentar con el, lo golpea contra el suelo y empieza a romper los demás huesos, aquí el mono descubre la herramienta, una especie de extensión del brazo para mejorar su calidad de vida y hacer las cosas más fáciles.
Luego de todo esto, pasan los años, así como la evolución del hombre y al mismo tiempo, la evolución de sus herramientas, hasta usar a éstas para llegar al espacio.
Pero aquí, en el espacio, el hombre ya no es más amo, como era en la Tierra; aquí el hombre tiene que empezar de nuevo: aprender a caminar por la falta de gravedad, a comer, etc.
Después aparece la escena del monolito nuevamente en la Luna. Aquí se muestra claramente que el hombre en el espacio es como el mono era en la Tierra, recién comenzaba su paso por allí, y al ver esta cosa extraña, lo toca y siente miedo, como el simio.
Más tarde aparece en escena HAL 9000, el cerebro de la nave Discovery, la computadora más avanzada hasta el momento. HAL comete un error y los tripulantes humanos deciden apagarla, pero ella al descubrirlo, planifica la matanza de todos.

Capitulo1Es aquí donde el hombre pierde el control de sus herramientas. En mi opinión HAL se dio cuenta que podía prescindir de los hombres para terminar de ejecutar su misión. Éstos no eran ya necesarios.
Pero al final, el hombre triunfa. Usando su ingenio e inteligencia, el último tripulante vivo consigue matar al ordenador con la herramienta más sencilla de su época: el destornillador.
A continuación el único hombre que queda decide terminar la misión, aunque sabe que en el espacio va a conseguir una muerte segura. Es entonces cuando una fuerza extraterrestre lo atrapa y lo transporta a otra dimensión.

En la ultima parte de la película, el hombre se encuentra mirando una pieza, donde él mismo se encuentra, pero ya viejo y solo. Creo que Kubrick intenta representar a toda la raza humana con este sólo individuo. Aquí el hombre tiene que enfrentar su muerte para dar paso al próximo salto evolutivo.
En la última escena aparece un bebé como suspendido en el espacio. Esto significa que el hombre evolucionó a otra especie, mucho más avanzada y capaz de poder vivir en el espacio exterior, sin tener que contar con sus herramientas que al final quisieron destruirlo. Este ser, creo yo, es más espiritual y no tan material como el hombre y además va a ser capaz de conquistar el espacio y vivir en él.
Stanley Kubrick
Como dice el volver a capitulo1

Análisis del Film:

explicación de la película

La película tiene varias lecturas, ya sean éstas sociales, culturales y filosóficas.
Me interesa concentrarme en el mensaje increíblemente profundo y acertado respecto a la evolución de la especie humana.

seres

Seres que fueron alguna vez primitivos y salvajes, que a través del desafío de lo desconocido (el monolito de piedra) pudo descubrir el uso de la herramienta (el hueso) para dominar su entorno y a las bestias inferiores.De esta manera cumple su primera etapa evolutiva.







Luego de millones de años esta herramienta se transforma en la tecnología que logra la exploración en el espacio cumpliendo una segunda etapa en su evolución.





A partir del descubrimiento del segundo monolito en la Luna y el viaje a Júpiter, la película entra en el tema de la dependencia casi absoluta del hombre frente a las máquinas, considerándolas a éstas perfectas e inteligentes. De esta manera se simboliza como el hombre pierde el control de su herramienta al dotarla de una inteligencia artificial. Afortunadamente el valor y la astucia del único sobreviviente vencen a la computadora. Culminando el tercer ciclo de evolución.

En el final del film se visualiza en mi opinión la parte más importante y trascendente en la vida del ser humano. Ser que se encuentra a si mismo luego de millones de años frente a su mayor desafío: vencer a la muerte.
La muerte física no implica una muerte de la ESENCIA. Vuelve a renacer con otra forma cumpliendo la cuarta etapa de evolución: la vida eterna.
Vida que no tiene que ver ni con su inteligencia ni con la excesiva tecnificación de su cultura, sino con poder mirarse a sí mismo encontrando su espíritu y trascendiendo.
volver a seres

En mi opinión creo que 2001 Odisea al espacio, es una película que planeta diferentes incógnitas en sus distintas etapas.

La primera etapa llamada “El amanecer del hombre”, nos demuestra con simpleza como la tecnología fue cambiando al hombre, y como a través de los años fuimos evolucionando, para descubrir que nuestra esencia no ha cambiado, esto lo demuestra en la escena donde los astronautas encuentran el monolito en la luna, y tienen casi la misma reacción que los monos en el comienzo; miedo a lo desconocido, una intentan tocarlo para descubrir su textura y asombro o adoración ante algo que consideran superior.

En la segunda etapa: “Misión a Júpiter”, nos encontramos con una situación que es, a mi parecer, uno de los mayores miedos del hombre actual: que las maquinas desarrollen inteligencia, y de algún modo “sentimientos” y se vuelvan contra nosotros. Este dilema en el futuro cobra gran importancia, ya que para viajes espaciales, como ese; la computadora es imprescindible para manejar la nave. Y creo que hasta podemos ver hoy en día como cada vez, más y más cosas pueden ser hechas por máquinas, reemplazando a los humanos, desde una simple licuadora hasta un misil.
La computadora de la nave recibe como orden principal la de llegar a Júpiter, lo que crea un problema cuando se encuentra una pequeña falla y los tripulantes de la nave creen que deben desconectarla. Ante esto, la computadora reacciona matándolos para poder cumplir su objetivo principal, y el único sobreviviente, la desconecta para lograr su objetivo principal, ante que todo: la supervivencia.
La tercera etapa: “Más allá del infinito y las estrellas” ya se plantea una problemática nueva, desde la creencia de la vida en otros planetas hasta la posibilidad de volver a nacer en una forma superior. El personaje principal, el único que logra llegar a Júpiter, entra en una dimensión diferente en la que se ve a él mismo envejecer hasta morir, solo para nacer de nuevo. Creo que, como hablamos en clase, el hecho de que el hombre haya evolucionado desde los monos hasta convertirse en nosotros, seres diferentes a ellos, que dominan la tierra; nos permite pensar en la posibilidad de que nosotros podamos evolucionar y pasar a ser seres completamente diferentes, que dominen el espacio.
Por otro lado, la película claramente une estas etapas mediante una problemática común en sumatoria a las demás. La película plantea una pregunta: Si existe la vida en otros planetas, ¿Son seres muy superiores a nosotros, que han existido desde mucho antes que el ser humano? La película intenta responder esta pregunta afirmativamente y muestra uno de las posibilidades. Todo gira entorno a un monolito, que transmite un mensaje que no puede ser descifrado, pero si sabemos que provienes de Júpiter. La diferencia es que aquí el espectador se encuentra un paso delante de los protagonistas, ya que nosotros sabemos que no es la primera vez que el monolito intenta contactarse, como vimos anteriormente en la prehistoria con los monos, solo que ellos no pudieron recibir el mensaje por el estado evolutivo en el que se encontraban. Pero de alguna forma si recibieron el mensaje de que había algo más poderoso que ellos, y más importante que las cosas cotidianas que ellos conocían.

Les recordamos a los alumnos de la UAI que el laboratorio de RAV de la sede Roca permanecerá abierto todo el verano, cualquier consulta llamar al 440-8010 o al 449-1245 interno 9119 de lunes a viernes entre las 8 y las 15 hs.
El encargado del laboratorio es Lucas Perez