Ficha Técnica
Titulo original: "A history of violence"
Director: David Cronenberg / Productores: Chris Bender, David Cronenberg, J.C. Spink para New Line Prod. – Bender-Spink Inc. / Guión: Josh Olson, según el cómic de John Wagner y Vince Locke / Fotografía: Peter Suschitzky / Música: Howard Shore / Montaje: Ronald Sanders / Intérpretes: Viggo Mortensen (Tom Stall), María Bello (Edie Stall), Ed Harris (Carl Fogarty), William Hurt (Richie Cusack), Ashton Holmes (Jack Stall), Peter MacNeill (sheriff Sam Carney), Stephen McHattie, Greg Bryk, Sumela Kay, Kyle Schmid, Deborah Drakeford… / Nacionalidad y año: USA 2005 / Duración y datos técnicos: 96 min. color 1.85:1.

Tom Stall (Viggo Mortensen) parece llevar una vida tranquila con su familia en un pueblo perdido de Estados Unidos, alli nunca pasa nada extraordinario, la gente se conoce y en la atmosfera parece reinar una quietud que sofoca. Pero Cronemberg en el principio del film nos hace notar que en algun momento esta tranquilidad mutara en ira.
Esto ocurre cuando unos ladrones y asesinos irrumpen en el bar atendido por Stall hecho que desencadena un hecho de violencia en el que vemos a un Stall distinto, que parece familiarizado con el crimen, Stall convertido en heroe local pareceria que oculta una doble personalidad, un monstruo que busca salir, monstruo como el que asusta a su hija en la noche. La aparicion de un hombre misterioso tambien en el bar, llamado Carl Fogarty (Ed Harris) que reclama una cuenta pendiente a Stall, hacen dudar a la familia y al pueblo de la verdadera identidad del hombre que atendia el bar local, ahora devenido en heroe, y es que el Verdadero Tom Stall esta por renacer.

Dirección: Alberto Lecchi

Guión: Alberto Lecchi y Daniel Romañach

Fecha de Estreno: 30 de mayo de 1996

Duración: 110 minutos

Sinopcis
Dos actores españoles intentan hallar éxito en Argentina con una obra de teatro que habla del hombre y su tránsito por la vida, pero los espectadores escasean cada vez más. Su viejo automóvil se detiene por fallas mecánicas y el dúo vivir una aventura plena de humanidad y poesía.

COMENTARIO
Un hombre que mira por una ventana puede ser una metáfora de la búsqueda, de todos los hombres que buscan. Si ese hombre, un relator, una voz en off o quien fuere explicita esa asociación conceptual –dice que mira por la ventana porque busca–, la metáfora se abarata, se convierte en un simple signo, se suicida como tal. Esa torpeza pertenece a Mirándonos, la obra de teatro que dos españoles actúan dentro de la película de Alberto Lecchi. No es dable –ni saludable– encarar polémicas con personajes de ficción (y Karra Elejalde y Juanjo Puigcorbé aquí lo son doblemente), pero El dedo en la llaga está atravesada por un malentendido de esta cepa. Sólo que mucho más grande.
La pintoresca localidad de Zapallares vendría a ser la caja de resonancia de ciertas tensiones sociales del contexto político nacional. La obrita de marras, y especialmente los españoles, obran como detonantes al denunciar un negociado que se amasa en torno de la construcción del primer hotel 5 estrellas del pueblo. El estudiantado secundario y un profesor cuarentón se alinean con los ibéricos. La corruptela local –intendente, burocracia y oposición "oficial"– se agrupa del otro lado para impedir una segunda representación de Mirándonos que se perfila más revulsiva que la primera. El conflicto central pasa por allí.

Actores
Darío Grandinetti:Tolosa

Graciela Tenenbaum

Equipo Técnico:
Producción ejecutiva:
Luis Sartor

Fotografía:
Hugo Colace

Cámara:
Hugo Colace

Dirección de arte:
Clara Notari

Música:
Iván Wyszogrod

Montaje:
Miguel Ángel Santa María

Sonido:
José Luis Díaz

Asistente de producción:
Juan Pablo Laplace

Producción:
Claudio Pustelnik, Beatriz de la Gándara y Pablo Kompel

Productor asociado:
Luis Sartor y Alberto Lecchi

Meritorio de dirección:
Carola Jalife

Asistente de Cámara:
Anabella Goldberger

Titulo Original: Nuovo Cinema Paradiso

Año de Produccion: 1988

Nacionalidad: Italia

Director: Giuseppe Tornatore

Productor: Franco Cristaldi

Reparto: Philippe Noiret, Jacques Pernin, Salvatore
Cascio, Enzo Cannavale, Antonella Attu, Isa Danele, Marco Leonardi, Pupella Maggio, Leopoldo Treste

Duración: 120

El Protagonista es un director de cine que regresa a su pueblo (Giancaldo, del sur de Italia) con el motivo de la muerte de su gran amigo de la infancia: el proyeccionista del cine local que lo convirtio en su ayudante (Alfredo).

La historia comienza con un niño en el que, el único pasatiempo es disfrutar de las peliculas del Cine Paradiso.
El Pequeño, es un buen estudiante que vive con su madre y hermana en el pueblo Giancaldo, su padre ha muerto en batalla en algún lugar de Rusia.

En una de su proyecciones Alfredo sufre un accidente en el cual se prende fuego la sala de proyección y Toto (el niño), lo salva, una persona del pueblo recontruye el Cine y encarga a Toto la sala de proyección.

Hasta que llega el momento en que Toto conoce a Elena una hermosa mujer, pero llegado el momento en que debe dejar el pueblo Salvatore (Toto), y debe comenzar a buscar sus sueños.

Dirigida por Tim Burton, con Ewan McGregor, Albert Finney, Jessica Lange, Alison Lohman, Billy Crudup, Helena Bonham Carter, Danny DeVito.
El gran pez. Título original: Big Fish.Guión: John August. Fotografía: Philippe Rousselot. Música: Danny Elfman.Duración: 125 minutos. Estados Unidos, 2003.
Esta película cuenta la historia de Edward Bloom (interpretado en diferentes momentos de su vida por Ewan McGregor y Albert Finney), un hombre querido por todos, que siempre tiene una historia a mano que supera todos los límites de la realidad. Toda su vida parece haber transcurrido en una dimensión paralela a la nuestra, algo que puede aceptar sin problemas su esposa (Jessica Lange) pero que no entra en la cabeza de su hijo –Billy Crudup–, un periodista que no aguanta la tendencia de su progenitor a inflar acontecimientos de su vida para llamar la atención, lo que lo ha llevado a enemistarse con él. Cuando la salud de Edward sufre una grave recaída, el hijo vuelve al hogar no sólo para acompañarlo

El gran pez no sólo es una bella película, sino también una película inteligente, que se permite reflexionar sobre el arte de la narración oral y sus consecuencias en la transformación de un relato, activando en el público una evocación por las historias transmitidas por los padres en las que la memoria expande todo. No hay grises, todo es extremo, y se quiere escuchar el cuento una y otra vez. Pero la infancia termina, los requisitos hacia los mayores son otros y los cuestionamientos no tardan en llegar. Los padres dejan de ser la única referencia con respecto al mundo exterior y uno empieza a hacerse su propia idea del universo. Es lo que le pasa al hijo de Edward Bloom, quien necesita que la figura de autoridad del padre no se diluya en un montón de historias fantasiosas. Necesita una guía, algo que le permita recuperar el respeto por su padre, pues el cuestionamiento sólo forma parte de una búsqueda de entendimiento definitivo.

Si estética y narrativamente El gran pez es impecable, su elenco, que también integran Alison Lohman (como la esposa del joven Bloom), Helena Bonham Carter, Steve Buscemi y Danny DeVito, entre otros, entrega momentos brillantes.

Pulp Fiction (Tiempos violentos)

Año: 1994.

Duración: 154 minutos.

Reparto: Tim Roth (Pumpkin), Ammanda Plummer (Honey Bunny), John Travolta (Vincent Vega), Samuel L. Jackson (Jules Winnfield), Uma Thurman (Mia Wallace), Bruce Willis (Butch Coolidge), Harvey Keitel (El Lobo), Ving Rhames (Marsellus Wallace), Eric Stoltz (Lance), Rosanna Arquette (Jody), Maria de Medeiros (Fabienne), Christopher Walken (Capitán Koons), Laura Lovelace (Camarera), Phil LaMarr (Marvin), Burt Steers (Roger), Frank Whaley (Brett), Alexis Arquette (Cuarto Hombre), Paul Calderon (Paul), Bronagh Gallagher (Trudi), Steve Buscemi (Buddy Holly), Brenda Hillhouse (Madre de Butch), Sy Sher (Klondike), Angela Jones (Esmarelda Villalobos), Carl Allen (Floyd Wilson muerto), Don Blakely (Entrenador de Wilson), Venessia Valentino (Peatona / Bonnie), Karen Maruyama (Mujer pasmada), Kathy Griffin (Herself), Duane Whittaker (Maynard), Peter Greene (Zed), Stephen Hibbert (El Tarado), Quentin Tarantino (Jimmie), Dick Miller (Monster Joe), Julia Sweeney (Raquel), Chandler Lindauer (Butch niño), Susan Griffiths (Marilyn Monroe), Lorelei Leslie (Mamie Van Doren), Brad Parker (Jerry Lewis), Josef Pilate (Dean Martin), Eric Clark (James Dean), Jerome Patrick Hoban (Ed Sullivan), Gary Shorelle (Ricky Nelson), Michael Gilden (Philip Morris Page), Linda Kaye (Mujer tiroteada), Lawrence Bender (Basura yuppie con greñas), Robert Ruth & Rich Turner (Comentaristas deportivos).

Director: Quentin Tarantino

Guión: Quentin Tarantino & Roger Avary

Fotografía: Andrzej Sekula

Productora: Miramax Films / Band Apart / Jersey Films.

Productor: Lawrence Bender

Estreno: sábado 1 enero 1994

Género: Acción

Oscar: mejor guión original.

7 Nominaciones: película, director, actor (John Travolta), actor secundario (Samuel L. Jackson), actriz secundaria (Uma Thurman), guión original, montaje.

Cannes: Palma de Oro / Acción.

EL REPARTO:
por Unai Epelde

Si por algo destaca hoy en día PULP FICTION es por el numeroso plantel de estrellas que por ella desfilan.
Al contrario que RESERVOIR DOGS, película plagada de desconocidos actores que gracias a ella adquirieron prestigio, PULP FICTION se estrena ya con la presencia de múltiples estrellas de Hollywood (Bruce Willis, Christopher Walken, Uma Thurman), alguna estrella en decadencia recuperada (John Travolta), actores conocidos en el panorama independiente (Tim Roth, Harvey Keitel, Amanda Plummer), y relativamente desconocidos intérpretes que se harían populares de nuevo gracias a este film (Samuel L. Jackson, Ving Rhames, Eric Stoltz). La abundancia de personajes importantes y memorables hizo que cada caracterización fuera conservada en la memoria del espectador.

Nada más comenzar la película vemos a dos atracadores tipo Bonnie & Clyde, una versión moderna del mito, ambos con un marcado acento inglés de clase obrera.
Para ello, Tarantino contrató deliberadamente a dos actores de origen inglés que bordaran estos personajes con profesionalidad: Tim Roth (el Sr. Naranja de RESERVOIR DOGS, bastante en auge desde entonces) y Amanda Plummer (JOE CONTRA EL VOLCAN, EL REY PESCADOR, FREEJACK...). Tarantino, respecto a su elección, comenta que "ciertos diálogos los escribí deliberadamente para ciertas personas. Escribí los del Lobo para Harvey Keitel, escribí los de los delincuentes británicos, Pumpkin y Honey Bunny, para Tim Roth y Amanda Plummer. Una vez los vi juntos y tuve una visión de director: tenía que juntar a esos dos en una película. Estuve tentado por darle a Tim el papel de Vincent Vega cuando Michael Madsen se salió del proyecto, ya que habría hecho maravillas con él, pero los papeles de Pumpkin y Honey Bunny estaban escritos tan convincentemente para Tim y Amanda que no habría sido capaz de reflejar esos personajes en pantalla sin ellos".

Y es que en efecto, el papel de Vincent Vega (no por casualidad el mismo nombre que el Sr. Rubio) iba a ser para Michael Madsen, con cuya interpretación en RESERVOIR DOGS Tarantino había quedado muy satisfecho. Sin embargo, éste se apeó del proyecto debido a que tenía otros compromisos laborales, y Tarantino decidió entonces recuperar a uno de sus actores favoritos, que en aquel momento se hallaba en pleno declive: John Travolta. Según Tarantino, "Travolta es realmente un gran actor. IMPACTO es una de mis películas favoritas de todos los tiempos. Todo el mundo parece haberse olvidado ya de la época de FIEBRE DEL SABADO NOCHE, cuando se hablaba de él como el próximo Pacino, ya sabéis, estuvo nominado al Oscar y se lo merecía".

Junto a Travolta, Tarantino colocó a un actor que por el momento no era demasiado conocido, pero que sin duda llegaría a serlo (incluso George Lucas le contrataría para la nueva trilogía de "Star Wars"). En efecto, Samuel L. Jackson (FIEBRE SALVAJE, CONTRA EL MURO, JUNGLA DE CRISTAL 3...).
El propio Jackson recuerda que para entrar en la película "me senté, me leí el guión entero, lo cual no hago normalmente, tomé un respiro, luego volví a leerlo, lo cual nunca hago, sólo para comprobar que aquello era cierto. Era el mejor guión que jamás había leído. Cuando la gente ve asesinos a sueldo, tiende a pensar que suelen estar sentados en su casa, limpiando sus armas, afilando sus cuchillos, puliendo sus balas y todas esas cosas. Pero Quentin te transporta a un mundo en el que averiguas que en realidad ellos también cotillean y charlan. Hablan sobre sus vidas fuera del trabajo. Quentin tiene una gran facilidad para manejar el lenguaje cotidiano y la sensibilidad de los personajes". Por cierto, que el pelo tan característico que lleva Samuel L. Jackson en PULP FICTION fue en realidad producto de una equivocación: "Sucedió por error" explica Tarantino; "siempre me ha encantado el pelo a lo afro; si yo fuera negro, llevaría el pelo a lo afro. Hablé con Sam, que normalmente va totalmente afeitado y con el pelo muy corto, sobre lo de llevar el pelo a lo afro, y él estuvo de acuerdo. La encargada de maquillaje fue a buscar algunas pelucas a lo afro, pero como no sabía la diferencia apareció también con una peluca jheri-curl. Sam se la puso, y estaba genial. Era Jules en persona".

Para el personaje de Mia Wallace, Tarantino seleccionó ni más ni menos que a Uma Thurman, toda una celebridad en el mundo del cine a pesar de su juventud, y curtida ya en varios papeles de renombre (JENNIFER 8, LAS AVENTURAS DEL BARON MUNCHAUSSEN, LAS AMISTADES PELIGROSAS...). Su nueva imagen, con esa peluca negra y esas llamativas pestañas arqueando sobre esos ojos que nos miran desde el cartel anunciador, era según Tarantino la encarnación perfecta de Mia Wallace, tal y como él la había imaginado. Previamente, actrices tan prestigiosas como Meg Ryan o Holly Hunter ya habían sido consideradas para el papel, que finalmente fue a parar a manos de la que ahora es la esposa de Gary Oldman. Aun así, Uma también tuvo ciertos reparos en un principio, en especial con la escena de la sobredosis, aunque parece ser que los superó sin mayor problema.

Pero la que sin duda es la mayor estrella del cartel es Bruce Willis, que dio al personaje de Butch una personalidad a medio camino entre su John McLane y el Seth Gecko de ABIERTO HASTA EL AMANECER.
Muchos podrán preguntarse cómo pudieron los productores de un film de ocho millones de dólares de presupuesto contratar a Willis para un papel como el de Butch, teniendo en cuenta lo elevado de su caché. Pues lo cierto es que fue el propio Willis quien se acercó a Tarantino y le pidió entrar en el proyecto. El propio Willis comenta que <>. Por su parte, Tarantino quedó totalmente satisfecho con el trabajo de Willis, y comenta que "una de las cosas que aporta Bruce Willis es que su papel de Butch es muy similar a muchos otros que él ha interpretado, excepto que esos otros nunca tienen que pasar por el caótico berenjenal que pasa Butch. Quería que Butch fuera un puto gilipollas absoluto. Quería básicamente que fuera como el Mike Hammer interpretado por Ralph Meeker en EL BESO MORTAL de Robert Aldrich. Quería que fuera el típico bruto medio tarado, excepto cuando está con su novia Fabienne, que se convierte en un romanticón hortera".

Y ya que lo hemos mencionado, no hay que olvidar la fabulosa interpretación de Harvey Keitel, contratado para el papel del Lobo, entre otras cosas porque Tarantino había sacado el personaje de una de las películas francesas más plagiadas en todas las culturas: NIKITA de Luc Besson, en cuyo remake americano LA ASESINA, Keitel interpretó el papel que inspiró a Tarantino. Su papel es completamente distinto al que tuvo en RESERVOIR DOGS, y sin duda es una de las creaciones más originales del film.

Para los papeles de Lance y su mujer Jody, auténticos estandartes de la cultura narcótica, Tarantino escogió al por entonces desconocido Eric Stoltz (MEMPHIS BELLE, LA MOSCA 2, DESNUDO EN NUEVA YORK...), a quien luego Avary usaría como protagonista de KILLING ZOE, y a Rosanna Arquette (BUSCANDO A SUSAN DESESPERADAMENTE, MAS ALLA DEL ARCO IRIS, SIN ESCAPE...). Ambos encarnaron a unos camellos que para nada se asemejan a los traficantes que hoy conocemos. Parecen más bien sacados de los sesenta, de alguna época en la que el camello era algo más que un suministrador: era tu amigo y tu consejero. Rosanna Arquette es la hermana de Patricia Arquette (que interpretó a Alabama en AMOR A QUEMARROPA) y de Alexis Arquette, que interpreta en PULP FICTION un breve papel: el del "cuarto hombre" escondido en el baño, que sale inesperadamente y falla todos sus disparos.
El papel de Fabienne, la novia de Butch, lo encarna María de Medeiros, actriz de origen portugués que trabaja habitualmente en muy diferentes películas de muy diferentes países (HENRY Y JUNE, HUEVOS DE ORO, AIRBAG,...). Aquí está irresistiblemente hortera, diciendo frasecillas románticas cursis durante todo su episodio.Y tampoco hay que olvidar al orondo e imponente Marsellus Wallace, interpretado con convicción por Ving Rhames (DAVE, EL SOTANO DEL MIEDO, HOMICIDIO...), actor de color no demasiado popular en la época del rodaje, pero que ha dejado su huella en tan carismático personaje. Mencionar igualmente a Duane Whittaker (PUPPETMASTERS, EDDIE PRESLEY, DARK RIDER...), actor que encarna a Maynard, el de la casa de empeños, y que es también famoso por otras colaboraciones con la industria del cine en calidad de guionista.
Otra actriz que descubrimos aquí fue Angela Jones (HIDDEN FEARS, GETTING IN...), que borda magistralmente el papel de la morbosa taxista Esmarelda Villalobos, y a la que Tarantino posteriormente contrataría para protagonizar la primera película de Reb Braddock, TU ASESINA QUE NOSOTRAS LIMPIAMOS LA SANGRE. También es interesante encontrar al mítico Dick Miller en el papel de Monster Joe, que en el guión original era bastante más extenso que en la película. Miller fue el actor fetiche de múltiples películas de Roger Corman (entre ellas ROCK ALL NIGHT, cuyo póster aparece en el decorado del Jack Rabitt Slims), y al que hoy en día podemos ver en algún papel secundario en casi todas las películas de Joe Dante. Y tampoco hay que dejar pasar a Paul Calderon (LA TAPADERA, TENIENTE CORRUPTO, EL REY DE NUEVA YORK...) que tiene un papel muy breve como barman en el club de Marsellus, pero que luego adquiriría mayor protagonismo en la siguiente película de Tarantino, FOUR ROOMS.
Para finalizar, no hay que olvidar una serie de cameos y pequeños papeles del grupo de amiguetes de Tarantino, que suelen dejarse ver en cada película que hacen. Para empezar, el propio Tarantino interpreta aquí el papel de Jimmie, el colega de Jules, a cuya casa acuden los matones con el cadáver ensangrentado de Marvin. Steve Buscemi, que en RESERVOIR DOGS no sentía ninguna piedad por los camareros, interpreta aquí precisamente a un camarero... al que no le dejan propina (concretamente a Buddy Holly, en el Jack Rabitt Slims). Hay papeles también para el productor Lawrence Bender, que interpreta a una "basura yuppie con greñas" en el atraco a la cafetería (posteriormente, en FOUR ROOMS, interpretará exactamente el mismo papel), y para el actor Rich Turner, que en RESERVOIR DOGS era el sheriff del lavabo de caballeros, y aquí presta su voz para uno de los comentaristas deportivos que retransmiten la victoria de Butch.

SINOPSIS:

Jules y Vincent son dos asesinos a sueldo que trabajan para Marsellus. Este debe ausentarse, y encarga a Vincent que cuide de Mia, su atractiva novia. Un difícil compromiso, ya que el anterior hombre que desempeñó esa tarea fue liquidado por Marsellus. Vincent pretende hacer un trabajo rápido y eficaz, pero Mia insiste en salir a cenar juntos, donde improvisan un baile. Cuando llegan a casa, la chica sufre una sobredosis de cocaína y Vincent tiene que recurrir a un antiguo amigo para que solucione el problema.

Dirigida y protagonizada por Roberto Benigni, con Nicoletta Braschi, Giorgio Cantarini, Giustino Durano, Marisa Paredes.

Llaman la atención los ríos de tinta que hizo correr La vida es bella. No tanto en Norteamérica –que parece estar curándose del espanto a reírse de tal o cual cosa– como en ciertas capitales europeas y aquí, en Buenos Aires. Lo que se discutía, en resumidas cuentas, era si la película de Roberto Benigni le faltaba o no el respeto a la memoria del Holocausto. Si corresponde o no montar una comedia en torno de tan magna tragedia histórica.

Los debates casi nunca dejaron de girar en torno de ejes falsos ya que La vida es bella, para empezar, no tiene mucho de comedia. O más exactamente: lo pierde en la medida en que el Holocausto va adentrándose en la narración. La primera parte, que funciona bastante bien, relata el crecimiento del romance entre Guido (Benigni) y Dora (Nicoletta Braschi, a la sazón su verdadera esposa), y ahí reside la mayor parte de los gags. Que están insertos en situaciones cómicas muy bien pensadas, algunas de largo aliento, generalmente deudoras de cierto tono chaplinesco. Para mejor, el peso y la proliferación de las monigotadas de Benigni (cuya calidad de director despega, ahora, de su mayormente hartante desempeño histriónico) han sido acotados al máximo.

La segunda parte está ambientada en el campo de concentración, en el que Guido toma fuerzas para convencer al hijo de que el Holocausto es otro juego, nada más. A partir de aquí el realizador se toma mil y una licencias para sostener este planteo en el tiempo, sin abandonar del todo la comedia ni dejar de honrar a cada una de las convenciones de la "corrección política". No siempre consigue lo primero (ya que sí lo último). El tiempo ficcional, por caso, quiso que Dora, Guido y el pequeño Josué pasaran años en aquel infierno (declarados por diversos signos). Pero el lapso que se le sugiere al público –por la poca variación de las acciones, los ánímos y aun los estados físicos– es de una semana. O a lo sumo, dos. Esta astucia (con la que Benigni sugestiona al público como Guido a Josué) hace que el indeclinable empuje de Guido resulte más creíble, más factible. ¿Pero no resulta menos conmovedora, entonces, la dimensión de su entrega?

Los artilugios de Guido para entretener al niño interfieren rara vez con las rutinas concentracionales dispuestas por los nazis. La veracidad, la Historia, en este punto hubieran conspirado contra la permanencia de ese largo sketch que, como un show aparte, protagonizan padre e hijo en un espacio virtualmente liberado de los opresores. No deja de ser razonable: el aislarlos focaliza el vínculo, y lo contrario hubiera sido poner en primer plano ciertas truculencias que aquí fueron confinadas a un espacio-tiempo insinuado, ajeno al que se ve en pantalla. ¿Pero no pierde hondura un drama –y especialmente uno edificado en torno de una anécdota como la que nos ocupa– cuando su fondo trágico se pone en fuga?

En fin. También es cierto que el trabajo actoral de Benigni y en cierta medida el del chico (Giorgio Cantarini) inducen más de una vez a hacer la vista gorda frente a semejantes desajustes. A pagar el precio de las convenciones para dejarse arrebatar por la ternura, el compromiso y el coraje de ese padre, finalmente traducido –largamente honrado– en la sonrisa de su benjamín. Pero las convenciones están. Pesan, distraen.

La comicidad de esta segunda etapa, en tanto, no sólo es tenue por los pocos gags, sino porque las imágenes reales del Holocausto (o mejor dicho: las imágenes del Holocausto real) siguen vigentes, y presentes, en la conciencia colectiva de la Humanidad. Es decir, del público

Madame Bobary es una pelicula realizada en 1949 por Vincente Minnelli. Se basa en la novela de Gustave Flaubert que lleva el mismo nombre.

El film narra la historia de Emma Bobary, una mujer casada y con una hija, que no se encuentra conforme con su vida. Por esta razón, comienza a tener varios amantes e incluso planea fugarse con uno de ellos, pero él la abandonda; gasta demasiado dinero en vestidos costosos y no se hace cargo de su familia.
La historia finalmente termina cuando ella, debido a que las deudas la agobiaban y a que habia perdido casi todo (menos el amor de su esposo) se suicida, al envenenarse con arcenico.
Emma Bobary, representa a una mujer inquieta, insatisfecha, símbolo de una incurable frustración sentimental y social. La película es una critica de los falsos valores de la burguesía rural francesa a fines del siglo XIX

Ficha de la película

Reparto: Jennifer Jones, James Mason, Van Heflin, Louis Jourdan
Director: Vincente Minnelli
Estreno: Sábado 1 enero 1949
Género: Drama
Guionista: Robert Ardrey
Montador: Robert Planck
Musica: Miklos Rozsa

Emma, vivió con la imaginación repleta de románticas ilusiones sobre el amor y la pasión. Desesperada por salir de la granja de su padre, se casa con Charles Bovary y tienen una hija.
Charles es un no muy brillante médico rural que, después de un matrimonio no muy brillante, decide volver a casarse con Emma e intentar enamorarla.
Emma, una muchacha ilusa, inconforme y aburrida con la vida que lleva con su padre acepta casarse sin amor con Charles e inevitablemente con el tiempo, descubre que el matrimonio no es como ella soñaba y que Charles no era un príncipe sino un hombre mediocre a su vista y que está envejeciendo.
Con el correr de los años, Emma establece una amistad platónica con un joven abogado que se había trasladado a Yonville, para trabajar en una notaría, León Dupuis, con quien ella se rehúsa a mantener relaciones. Cuando él se va del pueblo, Emma se arrepiente. Pero no por mucho tiempo, ya que después aparece en su vida Rodolfo Boulanger, quien tiene mucho dinero y poder y hacia quien se siente atraída Emma. Ambos deciden fugarse, pero él la abandona.
Emma, cae en un profundo estado de depresión, lo que la lleva a dejar de lado a su marido y a su pequeña hija. .
Seguido a esto, ella finalmente comienza un romance con León.
Charles, descubre las infidelidades y descubre además, que Emma había gastado más dinero del que poseían. Por este motivo, la casa en donde viven iba a ser rematada
Emma, agobiada por las deudas, sabiendo que su marido ahora sabia todo y viendo que habia perdido el cariño de su hija, decide envenenarse tomando arsénico.
Charles, debido a que la sigue amando, la acompaña hasta el último momento de su vida.

"Hacía mucho que La Comedia no se llenaba y vaciaba con tanta rapidez y entusiasmo" me dijo un amigo y noté que hablaba con verdad. El estreno de "El chancho con cadenas", el tan postergado como cuidado cortometraje de Carlos Coca concitó la atención de todo el mundillo cinéfilo de la ciudad y nutridas adyacencias. Y los 20 minutos de material respondieron a las expectativas.

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Financiado por M&M (Marita y Molina) y rodada con la ayuda de algunos de sus amigos, por fin Carlos Coca presenta su cortometraje de ficción "El Chancho con Cadenas".
En la sala del teatro La Comedia, el martes 25 de noviembre a las 21 hs, estamos convocados para este estreno.
Si bien no fue rotundamente negado, quienes están produciendo este evento no dan señales de preparar algún jolgorio, o al menos modesto brindis. Esto parece confirmarse tras la exclamación
lanzada al director por un conocido integrante de la producción.

Pasando las hojas de la edición del sábado 27 de septiembre de La Capital nos tropezamos con la apretada mirada de Carlos Resta.

Enmarcando la toma de Marcelo Bustamante -producida con una calidad excepcional para un diario- encontramos una nota que nos anticipa la nueva aventura que nuestro amigo Carloncho ha emprendido junto al equipo de Pablo Trapero.

El singular argumento de "Familia Rodante" suma a la alegría por el reconocimiento que tuvo por ser convocado y nos resulta en esperar el estreno con gran ansiedad.

Por suerte está más próxima la certeza de escuchar personalmente la bitácora del rodaje en su desmesurada interpretación.

¡Bueeena Yegua!!!!